¿Quién es Jeff Cronenweth?

Jeff Cronenweth es un director de fotografía estadounidense conocido por sus trabajos en películas como “El club de la lucha” (1999) o “Perdida” (2014). En este blog analizamos su filmografía, filosofía de trabajo, técnicas y equipos utilizados. ¿Nos acompañas a conocerle mejor?

 

 

Existe una tendencia entre algunos directores de fotografía en la que los actores están subexpuestos, a contraluz o iluminados con un estilo discreto. A este estilo podríamos denominar «cinematografía oscura». Ya existieron pioneros de esta iluminación oscura, como por ejemplo Gordon Willis. Pero Jeff Cronenweth fue uno de los directores de fotografía responsable de popularizar este estilo. La fotografía de este dop se caracteriza por una exposición oscura, una imagen sutilmente desaturada, el uso de una suave luz cenital, imágenes naturalistas y suaves movimientos de cámara cinematográficos.

Jeff Cronenweth nació el 14 de enero de 1962 en Los Ángeles, California. Su padre era el conocido director de fotografía Jordan Cronenweth, encargado de fotografiar varias películas clásicas entre las que se encuentra “Blade Runner” (1982). Su padre le introdujo en los platós, donde trabajó como segundo ayudante de cámara durante sus años de instituto. Después de graduarse, se matriculó en la USC para estudiar cinematografía. Después volvió a trabajar con su padre, esta vez como primer ayudante de cámara.

 

 

Durante este tiempo trabajó junto a grandes camarógrafos como John Toll y Sven Nykvist, de quienes aprendió muchas lecciones y adquirió una valiosa experiencia. Trabajando con su padre conoció a David Fincher. Durante este periodo, su padre le dejaba iluminar, colocar la cámara y operar. Cronenweth fue contratado como segundo operador de cámara en “Seven” (1995). Cuando llegó el momento de seleccionar un director de fotografía para el siguiente proyecto de Fincher, “El club de la lucha” (1999), Cronenweth fue el elegido. Esto propulsó su carrera como director de fotografía. Ha rodado largometrajes, anuncios y vídeos musicales para directores como: David Fincher, Kathryn Bigelow y Mark Romanek.

«Puede que no tengas un estilo. Odio que la gente intente marcarte y encasillarte, porque creo que cada oportunidad crea sus propias posibilidades de encontrar algo nuevo. Aunque se parezca a algo que hayas hecho antes, seguirá siendo algo diferente»

 

Filosofía de trabajo

Como viene siendo común entre los diferentes directores de fotografía de los que hemos hablado, el estilo de Cronenweth es flexible. Es decir, cambia en función de la de la historia a contar. Aunque Cronenweth odia que lo encasillen, intentaré hacer exactamente eso y relacionar algunos de los puntos en común de sus diversos proyectos. Gran parte del trabajo de Cronenweth recurre al naturalismo o al realismo, que luego realza para conseguir un efecto cinematográfico.

“La historia debe inspirar el estilo visual. El estilo visual no debe colocarse al azar encima de cada historia»

En “El club de la lucha” (1999), Fincher y Cronenweth crearon un contraste visual entre la vida cotidiana de Edward Norton, iluminada y presentada de forma natural y realista, y el personaje de Brad Pitt, para el que querían un aspecto más deconstruido, desgarrado e hiperrealista. Esta metáfora visual apoyaba el cambio en la historia de lo real y mundano a la hiperrealidad. Para ello, la iluminación se hizo gradualmente más sombría y lúgubre, el vestuario y el maquillaje eran poco convencionales y los decorados progresivamente más sucios y extremos. 

 

Otro ejemplo de la preferencia de Cronenweth por el naturalismo puede verse en su uso de luces prácticas. Utiliza estas luces para motivar la colocación de las luces suplementarias de la película, imitando la dirección, la calidad o el color. También ha utilizado luz natural y la ha complementado para alimentar la historia. Esto podemos observarlo en «Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres» (2011).

«Creo que el tiempo depende sobre todo de la historia que quieras contar. En “Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres” tenía que hacer frío y hacía frío… Era imperativo que ese elemento, hasta cierto punto, fuera un personaje de la película. Era necesario que el público sintiera por lo que estaban pasando esos personajes para poder apreciar sus viajes»

El director de fotografía utiliza su fotografía, sobre todo en su trabajo con Fincher, para transmitir una sensación más visceral al público. Es capaz de conseguir lo que se busca en un gran director de fotografía: transmitir una sensación mediante imágenes. 

 

Iluminación y equipos utilizados por Jeff Cronenweth

Cuando se prepara para un proyecto de larga duración, Jeff Cronenweth realiza numerosas pruebas de cámara, pasando por distintos objetivos, tipos de película, luces o paletas de diseño de producción para definir el aspecto de la película.

Para preparar “El club de la lucha” (1999), probó diferentes tipos de película tirando, empujando y flasheando el negativo. El flasheo consiste en exponer rápidamente la película fotoquímica a una pequeña cantidad de luz uniforme antes de revelar. Normalmente se hacía en un laboratorio cinematográfico. Esto permitía que las zonas más oscuras de la imagen mostraran más detalles, en lugar de aparecer como negro puro.

Antes de las cámaras digitales, utilizaba películas Kodak 250D, 500T y 100T. Solía utilizar la Panavision Platinum, pero también utilizaba ocasionalmente cámaras Arri, como la 435. Aunque siente nostalgia por la textura y la calidad de imagen del analógico, actualmente utiliza cámaras digitales. Ha rodado con cámaras Arri, pero la mayor parte de su trabajo digital lo rueda con equipos RED. Fue uno de los primeros en usar la RED One MX para su película “La red social” (2010). En todos los proyectos posteriores que rodó para Fincher también utilizó cámaras RED como la Epic MX y la Epic Dragon. 

 

 

Otra razón para utilizar el digital es su capacidad de resolución, especialmente cuando se realiza mucho trabajo de postproducción. En “Perdida” (2014) grabó con el sensor a 6K, pero encuadró para 4K colocando la imagen que quería dentro de las líneas centrales del fotograma. Esto permitió estabilizar la imagen en el software de postproducción, que utilizó parte de la información extra grabada, sin necesidad de recortar en la toma encuadrada.

Jeff Cronenweth suele rodar con lentes esféricas. Si necesita encuadrar para una relación de aspecto anamórfica de 2,40:1, suele preferir extraer la relación del Super 35 que utilizar cristal anamórfico. Esto se debe a que las lentes esféricas tienen una gama más flexible, que incluye más distancias focales. Dejan pasar más luz y, por lo tanto, se pueden utilizar en condiciones con menos luz, como las luces prácticas de lectura en una calle por la noche. Utiliza varias distancias focales y a menudo opta por objetivos con un buen grado de nitidez, como las Panavision Primo, las Master Prime o las Leica Summilux-C.

 

 

Cronenweth consigue su «look oscuro» colocando regularmente sus luces por encima o por detrás de los personajes, en lugar de directamente de frente. Colocar las luces por encima de la cabeza, lo que se denomina luz cenital, es una forma estupenda de crear una luz ambiental en una escena. Dado que muchas localizaciones interiores disponen de luz cenital, colocar una luz por encima de la cabeza es también una elección motivada por su deseo de complementar la realidad. 

Para ello suele utilizar luces como las Kino Flos, montadas por su equipo de control. Las sombras proyectadas por esta luz caen directamente hacia abajo y a menudo se obtiene una luz suave, de bajo nivel, que rebota de superficies naturales como mesas. Para separar a los personajes de los fondos oscuros, utiliza una luz de fondo. Se trata de una luz situada detrás del personaje que crea un contorno de luz que lo distingue de un fondo más oscuro.

A la hora de mover la cámara, prefiere utilizar equipos más tradicionales que crean el movimiento cinematográfico clásico, como una dolly o grúas mecánicas. A veces usa Steadicam. Si el presupuesto lo permite, también opta por un helicóptero con cabeza estabilizada, como un Shotover, en lugar de utilizar un dron, para obtener tomas aéreas más dinámicas y tradicionalmente cinematográficas.  

 

 

Aunque admite que no le gusta que le encasillen en un estilo concreto, si tuviera que encasillarse podríamos decir que la fotografía de Jeff Cronenweth se basa en las convenciones más tradicionales de Hollywood, como el movimiento estable de la cámara. Eso sí, combinado con una iluminación atrevida y oscura. Su trabajo de cámara, se adapta y contornea a la forma correcta de la historia que se está contando. De este modo, utiliza su ojo técnico y su experiencia para transmitir sensaciones al espectador.

 

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