¿Quién es Rachel Morrison?

La directora de fotografía Rachel Morrison es la protagonista de este blog. Lo que hace especial su fotografía es la capacidad para acercar al público a la verdad y las emociones de los personajes con una fotografía subjetiva y vivencial. Esto se debe a su frecuente uso de la cámara en mano, su gusto por la iluminación naturalista y su deseo de servir siempre a la historia en cada elección cinematográfica.

 

«Salí de la escuela y enseguida conseguí trabajo como directora de documentales. Pero entonces ocurrió el 11-S y empecé a verme arrastrada a los realities, que eran lo único que me pagaba las facturas y me permitía seguir detrás de la cámara. Y llegué a un punto en el que dije que no quería volver a hacer eso. Todo lo que quería hacer es hacer películas narrativas. Así que dejé de rodar realities y nunca miré atrás»

 

 

Parte de lo que la inspiró a querer rodar documentales fue su amor por el fotoperiodismo de época. Se fijaba en Dorothea Lange y Gordon Parks. Ambos eran capaces de contar historias realmente fuertes, que provocaban cambios, en un solo fotograma.

 

«El documental es un gran campo de entrenamiento. Enseña a los directores de fotografía a tomar decisiones rápidas, a cambiar los ajustes de la cámara y a hacer montajes técnicos sobre la marcha, a encontrar rápidamente buenos encuadres y a utilizar condiciones de iluminación naturales»

 

Otra habilidad que adquirió rodando realities fue el manejo de la cámara en mano.

«Operar es una cualidad instintiva. Venir del documental y aprender a bailar con la cámara en respuesta a la emoción de otra persona es una habilidad extrañamente específica. Y creo que eso fue crucial en mi trayectoria como director de fotografía»

 

Estas habilidades le ayudaron a conseguir un trabajo como directora de fotografía para rodar la primera película independiente de un joven director: «Fruitvale Station» (2013). Ryan Coogler buscaba un cámara con experiencia en la realización de documentales con una sola cámara que pudiera trabajar sobre la marcha y contar una historia de forma realista, subjetiva y personal.

El lenguaje de esta película adoptó casi exclusivamente el movimiento de cámara en mano, la iluminación naturalista y creó una sensación que recuerda al cine documental.

Es una característica que ha mantenido a lo largo de toda su obra. A menudo maneja la cámara al hombro, moviéndose con los personajes o sujetando los encuadres con una soltura y movimientos naturales, para dar a las escenas una mezcla de realidad y elevación emocional.

Operar la cámara con este tipo de soltura, falta de rigidez y encuadres estáticos perfectamente compuestos, da a las imágenes una sensación más orgánica que pone en primer plano las emociones de los personajes. Como si estuviéramos observando subjetivamente sus reacciones de forma realista, en lugar de ver en pantalla una acción ensayada y técnicamente perfecta.

 

 

Tras conseguir una nominación a la Mejor Fotografía por «Mudbound» (2017) y pasar a rodar un largometraje de estudio, «Black Panther» (2018), se encontraba en un punto intermedio. Los guiones que le ofrecían rodar eran o bien grandes películas de estudio que no eran tan interesantes narrativamente ni tenían tantos matices. O películas independientes más pequeñas que no eran tan impactantes o realizables.

Esto la llevó a forjarse un nuevo camino como directora. Al igual que en su trabajo como directora de fotografía, como directora también buscaba historias con un fuerte punto de vista, que informaran, tuvieran un mayor impacto social y plantearan preguntas al público.

 

«Para mí, como cineasta, es importante no sólo entretener, sino también informar, inspirar, emocionar, evocar y, con suerte, dejar en el público algún tipo de mensaje»

 

Gran parte de su trabajo tiene un aspecto bastante cinematográfico. Ya sea en «Fruitvale Station» (2013), con una gran textura en Super 16. O en «Seberg» (2019), con un aspecto anamórfico de 35 mm y un grano más fino.

Sin embargo, como una buena parte de su trabajo se ha realizado con un presupuesto indie, las ventajas prácticas y económicas de rodar con una cámara digital superaban a rodar en película.

«Mudbound» (2017) fue uno de esos proyectos. Tanto Rachel Morrison como el director Dee Rees querían rodar esta película de época fotoquímicamente. Pero después de hacer números con el presupuesto se les presentaron dos opciones: rodar digitalmente o rodar en el formato más caro de la película y perder dos días de rodaje.

Debido a lo apretado del calendario, optaron por rodar con la Alexa Mini digital con objetivos anamórficos de la serie C de Panavision. Realizaron pruebas para conseguir un aspecto cinematográfico con el que estuvieran satisfechos. Buscaban algo similar a la exposición fotográfica de Gordon Parks «Segregation Story». Esta, tenía una paleta de colores apagados pero unos negros ricos y no demasiado desteñidos.

La combinación de Alexa con lentes anamórficas Panavision la ha utilizado en múltiples proyectos, como «Dope» (2015) , «Mudbound» (2017) y «Cake» (2014). Lo hace para conseguir un aspecto de pantalla ancha con desvanecimiento anamórfico y, al mismo tiempo, la comodidad de la tecnología digital.

A pesar de utilizar a menudo esta combinación, la selección de equipos de Rachel Morrison siempre se adapta a la historia y al presupuesto. Por lo que, a veces, cambia de un proyecto a otro. En «Fruitvale Station» (2013) rodó película Super 16 con la Arriflex 416 y objetivos Zeiss Ultra 16. Utilizó Kodak 500T por su aspecto de mayor grano y mejor sensibilidad para rodar en condiciones de poca luz por la noche.

 

 

Incluso rodó la película indie de bajo presupuesto «The Sound Of My Voice» (2019) con cámaras Canon 7D y 5D DSLR. A la hora de iluminar esta película, se inspiró en sus primeros trabajos en realities de televisión. Era necesario ocultar las fuentes de luz colocándolas fuera de la vista o incorporando la iluminación a través de accesorios prácticos en el plano.

Al pasar de estas producciones de bajo presupuesto a una enorme producción del Universo Cinematográfico Marvel, se dio cuenta de que la progresión no era un paso tan grande o un cambio como muchos hacen que sea. Sin embargo, había algunas cosas que hacían que el rodaje de una película de estudio fuera diferente.

Para demostrarlo, echemos un vistazo a la colaboración de Rachel Morrison con Ryan Coogler en dos películas, «Fruitvale Station» (2013) y «Black Panther» (2018).

Por un lado, para conseguir una gran cobertura de las escenas tuvo que rodar con una configuración de doble cámara controlada por varios operadores, en lugar de la forma de trabajar con una sola cámara autooperada.

Aunque la escala del equipo cambió, muchas de las técnicas que utilizó eran similares. Por ejemplo, en «Fruitvale Station» (2013) quiso cambiar la paleta de luz de las escenas de la estación BART, que en la vida real estaban iluminadas con bombillas fluorescentes cálidas. Para que el espacio resultara menos acogedor, pidió a su equipo que cambiara las bombillas por fluorescentes blancos neutros.

Mientras que en «Black Panther» (2018), Rachel Morrison quiso iluminar un casino con una fuente aérea, suave y cálida. Para ello, construyeron un enorme decorado en un plató e instalaron una gran cantidad de luces LED en la parte superior, suavizadas con difusión. La misma idea, pero a una escala muy diferente. Se construye todo desde cero en lugar de trabajar con lo que ya existe en una localización real.

En «Black Panther» (2018) se utilizaron unos 300 Arri Skypanels, mientras que en «Fruitvale Station» (2013) se trabajó principalmente con fuentes prácticas y un pequeño paquete de luces.

 

 

Cada película requiere un aspecto diferente. En «Black Panther» (2018) se utilizó una paleta de colores de cómic más viva y saturada. Mientras que en «Fruitvale Station» (2013) se optó por un realismo textual más desaturado y atenuado.

En «Black Panther» (2018) Rachel Morrison utilizó ángulos holandeses más exagerados. También rodaron con un cardán Movi para conseguir encuadres más dinámicos, de cómic. Mientras que en «Fruitvale Station» (2013) mantuvieron la cámara en mano para conseguir una subjetividad más documental.

Tanto si rueda como si dirige, a Rachel Morrison le gusta mantener la historia en primer plano. Selecciona cuidadosamente guiones que entretengan y tengan un mensaje acorde con su sensibilidad. Aporta sus referencias, sugerencias y preferencias visuales al director. Con el que trabaja para crear un aspecto experiencial y a menudo subjetivo que se adapte a la historia.

 

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